La soirée et le CD sont placés sous le haut patronage de Madame Simone Veil. La Campagne « Révolution Cancer » doit collecter 10 millions d’euros en 3 ans pour apporter la preuve que les traitements personnalisés du cancer permettent de guérir plus vite et plus de malades. Ce programme de recherche est mené par le 1er centre de lutte contre le cancer en Europe, l’Institut Gustave Roussy. Tous les artistes se sont produit gracieusement lors du concert, et les recettes de la vente des billets ont été reversées au profit de la campagne « Révolution Cancer », tout comme Virgin Classics reversera une partie de ses recettes sur la vente du CD « Une fête baroque ».

Retrouvez Los Pájaros Perdidos en concert le 24 janvier à Lyon (Chapelle de la Trinité), le 28 janvier à Lourdes (le Parvis) et le 31 janvier à Paris (Salle Gaveau).

Sur le plan politique, Frédéric II a imposé la figure du monarque éclairé, appuyant son autorité sur la grandeur militaire autant que sur le rayonnement culturel. Véritable homme des Lumières, il s’est passionné pour les lettres, la philosophie et la musique, a appris la flûte auprès de Quantz, a composé lui-même pour cet instrument, tout en entretenant une riche correspondance avec Voltaire. En très peu de temps, le roi a su poser les bases de ce qui deviendrait la future Allemagne, transfigurant la ruine moyenâgeuse dont il avait hérité de son père Frédéric-Guillaume 1er.
Par ailleurs, le château de Sans-Souci fut un haut lieu de festivités musicales qui témoignent de l’évolution esthétique de l’époque. Du baroque finissant dont Johann Sebastian Bach fut le génial ambassadeur, composant L’Offrande musicale à la suite d’une visite au monarque en 1747, à l’esthétique classique, voire galante, de Johann Joachim Quantz et de Frédéric II lui-même, ainsi que de sa sœur Anna Amalia de Prusse, jusqu’aux convulsions préromantiques de Carl Emmanuel Bach et de Franz Benda.

Retrouvez le 22 janvier sur Arte un film de 45 minutes sur Emmanuel Pahud et Frédéric le Grand, qui sera filmé durant un concert au Château de Sans-Souci le 16 janvier dans le programme du disque.

Emmanuel Pahud : « Avec ce disque, j’ai tenté de saisir cette époque : les différentes influences qui régnaient à la cour de Prusse, les changements de mode – et les rôles divers que le roi, ses subordonnés et ses amis jouèrent. (…) Mon point de départ fut la visite du grand Jean-Sébastien Bach au château de Sans-Souci, en 1747. Ce fut la rencontre de deux êtres différents, de deux visions du monde. D’un côté, Bach, qui de façon géniale mena le baroque à son terme ; de l’autre, le jeune Frédéric, forgeant de nouveaux idéaux tout en correspondant avec Voltaire ou en travaillant à de nouvelles sonorités avec le fils de Bach, Carl Philipp Emanuel. Une rencontre au cours de laquelle la vieille Europe se retrouva face à la nouvelle. (…) En quoi consiste ce tournant sur le plan musical ? Jean-Sébastien Bach était un perfectionniste de la forme, mettant en œuvre des systèmes et des harmonies complexes, jusqu’à des codes mathématiques, auxquels son génie donnait vie. La génération suivante conserva l’usage de ces formes anciennes, et l’on continua d’écrire tant des pages solistes que des sonates. Mais à l’intérieur des formes anciennes, Carl Philipp Emanuel Bach, Quantz et Frédéric prirent plus de libertés. Pour Frédéric, la musique était un moyen d’échapper au monde sévère et désuet de son père. La flûte l’y invitait du simple fait qu’elle était alors moderne et, toutes proportions gardées, facile à apprendre. Il y avait quantité de violonistes de talents, auxquels un roi n’avait aucun désir de se mesurer. Il en allait différemment de la flûte : le roi n’était pas soumis à concurrence. Cet instrument lui permettait d’exprimer ce qu’il ne pouvait ou n’était pas autorisé à formuler avec des mots. »

Avec des personnalités et des moyens différents, l’un et l’autre incarnent les deux facettes d’une même médaille : l’art des castrats, dont l’androgynie troublante se coulait avec une égale aisance dans les lamenti et les vocalises les plus virtuoses. S’ils ont chanté ensemble depuis Sant’Alessio, partageant notamment l’affiche du Couronnement de Poppée de Monteverdi et de Faramondo de Haendel, jamais ils n’avaient eu l’occasion de marier leurs timbres dans un programme de duos.

Sur des textes très poétiques déclinant les charmes pastoraux d’une Arcadie perdue ou les déplorations plus tragiques d’amants désespérés, des musiciens tels que Scarlatti, Porpora, Bononcini ou Marcello ont composé des pièces intimistes qu’érudits et mondains s’empressaient d’aller découvrir dans les salons. Si nombre de ces pièces sont souvent considérées comme des miniatures particulièrement sophistiquées, elles n’en déploient pas moins une ampleur toute opératique qui exige de leurs interprètes une large palette de couleurs, mais aussi un art du dire qui leur permet de phraser avec éloquence, ainsi qu’une infaillible virtuosité dans les coloratures.

Philippe Jaroussky et Max Emanuel Cencic ont abordé ces duetti dans un esprit d’amitié et de connivence artistique. Plutôt que de s’opposer dans des joutes vocales démonstratives, les deux contre-ténors ont privilégié l’écoute réciproque à seule fin de faire triompher ce théâtre des sensualités poétiques. En grand orfèvre des alliages de timbre, William Christie cisèle des lignes mélodiques d’un grand raffinement, offrant à ses chanteurs un écrin instrumental où faire triompher la beauté étrange et fascinante de leurs voix.

La vidéo courte :

 La vidéo complète :

Déclinant des airs écrits pour des sopranos lyriques ou spinto, ainsi que pour des mezzos dramatiques, cet hommage rend justice à l’extraordinaire versatilité vocale de la Callas, tout en exhibant l’immense palette de couleurs et d’affetti dont Angela Gheorghiu sait comme personne nuancer ses interprétations. Tour à tour tragique, pathétique ou éperdue, toujours souveraine de timbre et impérieuse d’accent, la soprano roumaine redonne vie aux héroïnes du classicisme tardif (Médée), du bel canto romantique (Il Pirata), ainsi que du mélodrame vériste (Adrienne Lecouvreur, Andrea Chenier ou La Wally), et du grand opéra français (Carmen, Faust ou Le Cid). Sans oublier le rôle qui l’a propulsée au rang de star internationale : La Traviata, dans lequel elle délivre une interprétation plus saisissante que jamais du grand air du premier acte.

« Maria Callas était singulière dans tout ce qu’elle entreprenait. C’était une artiste hors du commun qui donnait tout d’elle-même, dans tous ses rôles à chaque représentation. C’était en réalité une magnifique peintre de l’âme humaine, qui trouvait toujours la juste couleur de voix. Quand vous l’entendez, vous comprenez tout de suite la puissance et la fragilité de ses émotions, ce qui témoigne d’un talent rare et d’un don exceptionnel. EMI a été jadis la maison de disque de Callas, c’est aujourd’hui la mienne. Cela ressemble à une famille. » Angela Gheorghiu

Florilège :

L’origine du nom de Beethoven
Amusant paradoxe dans l’attitude de Beethoven pourfendeur de la noblesse et des privilèges : certes, il n’avait jamais prétendu appartenir à l’aristocratie, mais n’a jamais non plus contredit ceux qui le croyaient. Son nom, d’origine flamande, comporte un « van » indiquant simplement que la famille était d’origine rurale ; dans son cas précis, « beet hofen » signifie tout bonnement « champ de betteraves », et le « van » n’a aucune des implications aristocratiques que comporte la particule nobiliaire « von » en allemand. On imagine l’humiliation de Ludwig du Champ-de-Betteraves le jour où une cour de justice, réservée aux membres de l’aristocratie, se défaussa d’un dossier le concernant entre les mains d’une cour pour roturiers…

Les différents types de piano
Les pianos se déclinent en de nombreux modèles. Le droit lui-même existe en plusieurs formats, du tout petit piano d’étude au grand droit Steinway à l’ample sonorité. Le crapaud (un piano à queue certes, mais plus large que long) et le quart-de-queue sont destinés au salon, le demi-queue aux grands salons ou aux petites salles de concert, le trois-quarts et le grand piano de concert (jusqu’à trois mètres de long, 700 kilos !) aux grandes salles. Il existe également le piano girafe dont la queue est disposée verticalement, histoire de réduire l’encombrement sans nuire à la sonorité, mais il appartient aux raretés. Le « piano à bretelles », lui, est l’accordéon. Le « piano de cuisine » est en fait une grande plancha à usage professionnel : quiconque y poserait les doigts risquerait non pas de jouer du Chopin mais d’imiter AC/DC.

L’Art de la fugue de Jean-Sébastien Bach
Quant à L’Art de la fugue, c’est un ouvrage énigmatique, mettant en évidence toute la somme des connaissances de cette forme musicale ultra-complexe dans une vingtaine de fugues d’une science extraordinaire ; Bach est mort avant de l’avoir achevé, juste après avoir introduit dans la mélodie son nom sous forme musicale : les notes si bémol, la, do, si bécarre, correspondant aux lettres B-A-C-H selon le nom allemand des notes. Si Bach s’était appelé Jean-Sébastien Chagecha, cela aurait donné le thème de La vie en rose…

La vie de Mozart en 80 mots
Mozart a tout fait avant les autres : trois jours avant son quatrième anniversaire il apprenait par cœur son premier morceau au piano. Avant 6 ans il jouait pour le prince de Bavière. Avant 10 ans il avait déjà tourné pendant 4 ans à travers l’Europe pour donner des concerts devant les têtes couronnées. Avant 18 ans il avait écrit 30 symphonies. Avant 30 ans il entrait dans la mythologie musicale de la planète. Et avant 36 ans il était mort.

Frédéric Chopin et George Sand
Chopin, à propos de sa première rencontre avec George Sand : « Son visage ne m’est pas sympathique et ne m’a pas plu du tout. Il y a même en elle quelque chose qui m’éloigne. » « Elle est antipathique cette Sand ! Est-ce bien une femme ? J’arrive à en douter. » Sand fut sa compagne pendant neuf ans, même si leur relation tenait parfois plus du lien mère-fils. Par ailleurs, Sand fumait non-stop d’infâmes cigares, l’idéal pour alimenter les célèbres toux de Chopin, grand malade pulmonaire.

La philanthropie de Franz Liszt
On pourrait argumenter qu’avec tant de concerts, Liszt assurait largement sa fortune : que nenni. Doté d’un caractère aimable, spontané et fantasque, il reversa plus de la moitié de cachets à des œuvres de charité : les ouvriers grévistes de Lyon, les victimes des inondations du Danube, les malades des hospices, les pauvres etc. Et après sa retraite de la scène, à l’âge de 37 ans, il devint le mentor de dizaines de futurs grands pianistes, auxquels non seulement il dispensait ses cours gratuitement, mais en plus il leur offrait le gîte et le couvert.

La roublardise du même
Selon les carnets intimes du célèbre conteur Hans Christian Andersen, qui connut bien Liszt au cours des années 1860, le jeune pianiste avait l’habitude d’être couvert de fleurs par le public à l’issue de ses concerts. Mais… une bonne partie des fleurs étaient payées par Liszt lui-même et lancées par des affidés. Lors d’un concert à Hambourg en 1840 auquel assistait Andersen, ce fut le maître nageur de l’hôtel qui les lança. Quand Liszt fut en tournée avec le ténor Rubini – les deux artistes partageaient les bénéfices ET les frais –, Rubini s’offusqua des sommes astronomiques que Liszt avait engagé en fleurs, odes à leur gloire, bravos sur commande et autres procédés de relations publiques.

Les trois bousquetaires
Les « Trois B », ce sont les trois plus grands compositeurs dont le nom commence par B. Les deux premiers B furent Bach et Beethoven. Dès 1854, un chroniqueur ajouta Berlioz pour créer les « Trois B » mais, peu après, le chef d’orchestre Hans von Bülow, ardent anti-berliozien, préféra déBoulonner Berlioz et B-tiser Brahms. Wagner, jaloux de Brahms qu’il détestait, tenta d’imposer Bruckner (un féroce wagnérien) comme troisième B, à défaut de s’appeler Bagner… en vain. La sainte trinité est donc éternellement Bach, Beethoven, Brahms, à moins qu’un autre larron vienne un jour changer la donne. On attend encore. Boulez ? Hummm…

Le tragique accident de Maurice Ravel
Mise en garde : Attachez vos ceintures, même à l’arrière. En octobre 1932, Ravel fut victime d’un traumatisme crânien au cours d’un accident de taxi ; peu après, il se plaignit de troubles de la motricité en général, de l’écriture et de la parole en particulier. Au cours des cinq années suivantes, son état ne fit qu’empirer et quand bien même le malheureux compositeur avait gardé intacts tout son esprit et sa créativité intérieure, il ne fut plus en mesure de rien composer. On tenta une opération du cerveau, mais Ravel tomba dans un coma profond à la suite de l’intervention et succomba quelques jours plus tard. Peut-être une ceinture de sécurité aurait-elle permis que l’un des plus phénoménaux compositeurs du XXe siècle ne soit pas réduit au silence en plein génie créateur : de quels chefs-d’œuvre la postérité a-t-elle ainsi été privée…

Chimie amusante
Borodine a découvert l’aldolisation – l’addition nucléophile d’un énolate sur un aldéhyde pour former une β-hydroxycétone, comme vous le savez sans aucun doute.

Après l’avoir découvert à Londres en 2003, le cinéaste Bruno Monsaingeon lui consacre un documentaire (« Un violon dans l’âme », paru en DVD chez Virgin Classics), et il ne tarit pas d’éloges sur le jeune prodige ukrainien : « Il existe aujourd’hui de magnifiques virtuoses du violon, mais y en a-t-il un seul parmi eux qui porte au cœur même de son âme, c’est-à-dire de sa sonorité, la marque irrécusable de ce qui faisait l’art intensément original des cinq ou six plus grands violonistes du siècle tout juste écoulé ? Avant cette rencontre impromptue avec Valeriy Sokolov, je n’imaginais pas réentendre de mon vivant un son doté d’une telle incandescence. »

Merveilleusement accompagné par le grand David Zinman et l’Orchestre de Tonhalle de Zurich, Valeriy Sokolov interprète ici avec fougue et rigueur les concertos de Tchaïkovski et de Bartók, et se joue de leurs redoutables difficultés techniques tout en leur insufflant ce supplément d’âme frémissant qui fait la signature des très grands artistes. Cet enregistrement a été filmé par Bruno Monsaingeon, pour une diffusion événement sur Arte le 16 octobre.

Artiste très populaire, sans aucun doute le plus grand ténor français depuis 25 ans, et qui a su se hisser tout en haut des ventes de « pop » à travers de nouveaux répertoires, à l’aise sur les plateaux de télévision comme à la scène, il est aimé autant pour sa voix d’or que pour sa grande gentillesse et sa simplicité.

Entouré sur ce coffret d’un casting fabuleux – Angela Gheorghiu, Natalie Dessay, Thomas Hampson… –, Roberto Alagna fait rayonner le désespoir amoureux de Don José dans Carmen, le romantisme suicidaire de Werther ou la vaillance solaire de Manrico dans le Trouvère. Aussi épatant dans l’élégance et le style d’Edgard dans Lucie de Lammermoor que dans l’engagement ardent de Mario dans Tosca, Roberto Alagna déroule ici le panorama unique du ténor le plus aimé des français.

Exemple de présentation par Roberto Alagna dans le livret :