Le nouvel enregistrement du Sacre du printemps par Simon Rattle célèbre le 100e anniversaire de sa création au Théâtre des Champs-Élysées à Paris, le 29 mai 1913, qui provoqua un scandale mémorable, tant le public fut sidéré par ce qu’il découvrit. Dans le Sacre, Stravinsky travaille deux aspects : le rythme, d’un dynamisme et d’une énergie sans précédent, et l’harmonie, qui repose en partie sur l’utilisation d’agrégats sonores, le tout rompant avec l’obligation mélodique en vogue depuis des siècles. Cette révolution musicale fait de la partition de Stravinsky une des œuvres les plus importantes du 20e siècle, qui a inspiré des chorégraphies légendaires tels que Maurice Béjart, Pina Bausch, Angelin Preljocaj ou Martha Graham. Mais ce n’est qu’en 1914 que le compositeur connaîtra le triomphe. La sombre puissance de l’Orchestre Philharmonique de Berlin associée à la rare expertise de Simon Rattle vis-à-vis de la musique du 20e siècle font de cet enregistrement un événement attendu. En complément de programme figurent la Symphonie d’instruments à vent et Apollon Musagète.

Simon Rattle et l’Orchestre Philharmonique de Berlin donneront Le Sacre du printemps en concert à Paris, Salle Pleyel, le 1er septembre 2013.

Christina Pluhar et l’Arpeggiata proposeront ce programme dans une série de concerts : le 19 mars à la salle Gaveau à Paris, le 16 mai à Besançon, le 16 juin à Saint Michel en Thiérache, le 24 juin à Nantes, le 17 juillet à Montpellier et le 18 juillet à Taillades.

« La mer ne sépare pas les cultures, elle les réunit. La « frontière de l’olivier » est notre voyage musical.
Le point de départ de ce programme était les canti greci-salentini, des chants et des tarentelles dont les racines musicales se trouvent en Italie, mais qui sont chantées en grec par la population grecque installée depuis des siècles dans le Salento, la région située au sud de l’Apulie, sur la péninsule à l’extrême sud-est de l’Italie (le talon de la botte). Ce fascinant mélange des cultures sud-italienne et grecque nous a incités à entreprendre un voyage de découverte musicale à travers l’espace méditerranéen, et de partir à la recherche d’autres passerelles. Notre voyage nous a menés de l’Italie méridionale vers l’est, en Grèce, et de là en Turquie, puis vers l’ouest, en Espagne (Majorque et la Catalogne) et au Portugal. » Christina Pluhar

« On prendra un plaisir inouï à écouter cette extraordinaire démonstration de diversité, cette plongée dans les univers les plus variés d’un violoniste dont les choix révèlent son éclectisme, sa passion, une technique depuis longtemps dépassée au profit d’une fluidité et d’une dimension autre, et une capacité de marier les plus évidentes compositions avec quelques petites pièces plus légères. Renaud Capuçon démontre brillamment que ‘le violon est roi’. » Philippe Labro

On retrouvera aussi Renaud Capuçon en concert lors de la première édition du Festival de Pâques d’Aix-en-Provence, dont il est le Directeur artistique, et qui se tiendra du 26 mars au 13 avril.

La grande Venise n’était alors déjà plus qu’un rêve presque totalement englouti. Ruinée par une série de campagnes militaires, affaiblie par plusieurs épidémies de peste, la Cité des Doges n’en finissait pas d’agoniser, mais elle demeurait la capitale inégalable des plaisirs et des arts – et donc de l’opéra. Cet enregistrement regroupe une sélection d’airs d’opéras de Vivaldi et des principaux compositeurs qui ont écrit à Venise à cette époque glorieuse – Albinoni, Caldara, Porta, Gasparini et Giacomelli -, permettant à l’illustre cité de rayonner de tous ses feux dans les autres capitales européennes.
Dans cette passionnante exploration des divers courants du style baroque vénitien, Max Emanuel Cencic est accompagné par le jeune ensemble italien Il pomo d’oro, dirigé par Riccardo Minasi, qui s’affirme déjà comme l’un des meilleurs ensembles de musique baroque.
Deux concerts viennent compléter cet enregistrement, le 12 février à la Chapelle de la Trinité à Lyon, et le 15 au Théâtre des Champs-Élysées à Paris.

“Avec ces arias de Vivaldi et de ses contemporains moins connus, je voudrais illustrer les goûts musicaux de la Venise du début du 18e siècle et en même temps recréer les humeurs et les couleurs d’une cité ouverte sur le monde. Venise était l’un des centres musicaux les plus importants à cette époque, elle exportait ses gloires musicales et dans un mouvement inverse importait des idées neuves venues d’ailleurs.” Max Emanuel Cencic

Le meilleur de cet âge d’or du répertoire français fait aussi la part belle à Franck, Chabrier, Chausson, Massenet, Satie, Saint-Saëns, Debussy, Ravel, Fauré, Duparc, Dukas, Roussel, Poulenc, Messiaen, Dutilleux, et bien d’autres encore. Tous les genres musicaux sont représentés à travers plus de 5 heures de musique : œuvres symphoniques, piano, musique de chambre, mélodies, concertos, musique sacrée…

« Théâtralité intense, profonde émotion, écriture vocale intrépide, des passages où le temps semble suspendu, intérêt historique et véritables découvertes… Qu’est-ce qu’une chanteuse pourrait demander de plus, si ce n’est de se laisser aller au délire de la rage et de la béatitude, du désespoir et de la jubilation, de l’amour brisé ou triomphant ? »

Joyce DiDonato chantera ce programme le 10 février au Théâtre des Champs-Élysées, à Paris, et le 4 mars au Théâtre du Capitole, à Toulouse.

A retrouver aussi le 30 décembre à 15h30 sur Arte, dans le film « Drama Queens, Larger than life ».

« Les airs choisis, dont quelques raretés, permettent à la diva d’exprimer une palette de sentiments des plus étendue, de la jalousie à la fureur en passant par la séduction ou l’inquiétude face à la mort, offrant un équilibre en même temps qu’une diversité propres à contenter un large public. Toute la flamboyance du monde baroque y participe. Joyce DiDonato a souverainement conquis le public en alternant airs de fureur – toujours empreinte de dignité – et de mélancolie, allant crescendo dans la virtuosité. » Compte-rendu du concert donné à Baden-Baden. Forum Opéra.

« Le piano moderne me permet d’aborder la richesse de l’écriture de Bach au plus près. Je n’admire rien davantage qu’un jeu pianistique dont les qualités sont la polyphonie et la vocalité. Par ailleurs, il me semble que l’interprète doit insuffler à tout ce qu’il touche un sentiment de nécessité. Sous ses doigts, une exécution, même originale, doit sembler évidente et se justifier toute entière sans offrir de place au doute. Je porte longtemps en moi les œuvres que je présente. » David Fray