On peine à s’imaginer aujourd’hui quelle a pu être la gloire de Weissenberg entre la fin des années 1960 et 1980. Invité régulier du Grand Échiquier, il était l’un des artistes classiques dont la célébrité avait franchement dépassé le cercle des mélomanes. Cette immense notoriété l’aura finalement quelque peu desservi par la suite, lorsque le vent médiatique tourna. La critique céda parfois à cette passion triste du dénigrement des artistes qui savent parler à tous, et se détourna de Weissenberg. C’était un peu tôt oublier que le pianiste n’avait pas été adoubé par la télévision, mais par Herbert von Karajan, George Szell ou Carlo Maria Giulini (qui ne passait pas précisément pour s’enticher des phénomènes de mode), qui le tinrent comme l’un des plus importants pianistes de la seconde partie du XXe siècle.

L’idée de ce coffret ICON était née de la nécessité de réévaluer le legs de cet admirable pianiste. Elle se transforme, hélas, en un bien nécessaire hommage posthume : la star s’en est allée, l’artiste demeure.

Florilège :

L’origine du nom de Beethoven
Amusant paradoxe dans l’attitude de Beethoven pourfendeur de la noblesse et des privilèges : certes, il n’avait jamais prétendu appartenir à l’aristocratie, mais n’a jamais non plus contredit ceux qui le croyaient. Son nom, d’origine flamande, comporte un « van » indiquant simplement que la famille était d’origine rurale ; dans son cas précis, « beet hofen » signifie tout bonnement « champ de betteraves », et le « van » n’a aucune des implications aristocratiques que comporte la particule nobiliaire « von » en allemand. On imagine l’humiliation de Ludwig du Champ-de-Betteraves le jour où une cour de justice, réservée aux membres de l’aristocratie, se défaussa d’un dossier le concernant entre les mains d’une cour pour roturiers…

Les différents types de piano
Les pianos se déclinent en de nombreux modèles. Le droit lui-même existe en plusieurs formats, du tout petit piano d’étude au grand droit Steinway à l’ample sonorité. Le crapaud (un piano à queue certes, mais plus large que long) et le quart-de-queue sont destinés au salon, le demi-queue aux grands salons ou aux petites salles de concert, le trois-quarts et le grand piano de concert (jusqu’à trois mètres de long, 700 kilos !) aux grandes salles. Il existe également le piano girafe dont la queue est disposée verticalement, histoire de réduire l’encombrement sans nuire à la sonorité, mais il appartient aux raretés. Le « piano à bretelles », lui, est l’accordéon. Le « piano de cuisine » est en fait une grande plancha à usage professionnel : quiconque y poserait les doigts risquerait non pas de jouer du Chopin mais d’imiter AC/DC.

L’Art de la fugue de Jean-Sébastien Bach
Quant à L’Art de la fugue, c’est un ouvrage énigmatique, mettant en évidence toute la somme des connaissances de cette forme musicale ultra-complexe dans une vingtaine de fugues d’une science extraordinaire ; Bach est mort avant de l’avoir achevé, juste après avoir introduit dans la mélodie son nom sous forme musicale : les notes si bémol, la, do, si bécarre, correspondant aux lettres B-A-C-H selon le nom allemand des notes. Si Bach s’était appelé Jean-Sébastien Chagecha, cela aurait donné le thème de La vie en rose…

La vie de Mozart en 80 mots
Mozart a tout fait avant les autres : trois jours avant son quatrième anniversaire il apprenait par cœur son premier morceau au piano. Avant 6 ans il jouait pour le prince de Bavière. Avant 10 ans il avait déjà tourné pendant 4 ans à travers l’Europe pour donner des concerts devant les têtes couronnées. Avant 18 ans il avait écrit 30 symphonies. Avant 30 ans il entrait dans la mythologie musicale de la planète. Et avant 36 ans il était mort.

Frédéric Chopin et George Sand
Chopin, à propos de sa première rencontre avec George Sand : « Son visage ne m’est pas sympathique et ne m’a pas plu du tout. Il y a même en elle quelque chose qui m’éloigne. » « Elle est antipathique cette Sand ! Est-ce bien une femme ? J’arrive à en douter. » Sand fut sa compagne pendant neuf ans, même si leur relation tenait parfois plus du lien mère-fils. Par ailleurs, Sand fumait non-stop d’infâmes cigares, l’idéal pour alimenter les célèbres toux de Chopin, grand malade pulmonaire.

La philanthropie de Franz Liszt
On pourrait argumenter qu’avec tant de concerts, Liszt assurait largement sa fortune : que nenni. Doté d’un caractère aimable, spontané et fantasque, il reversa plus de la moitié de cachets à des œuvres de charité : les ouvriers grévistes de Lyon, les victimes des inondations du Danube, les malades des hospices, les pauvres etc. Et après sa retraite de la scène, à l’âge de 37 ans, il devint le mentor de dizaines de futurs grands pianistes, auxquels non seulement il dispensait ses cours gratuitement, mais en plus il leur offrait le gîte et le couvert.

La roublardise du même
Selon les carnets intimes du célèbre conteur Hans Christian Andersen, qui connut bien Liszt au cours des années 1860, le jeune pianiste avait l’habitude d’être couvert de fleurs par le public à l’issue de ses concerts. Mais… une bonne partie des fleurs étaient payées par Liszt lui-même et lancées par des affidés. Lors d’un concert à Hambourg en 1840 auquel assistait Andersen, ce fut le maître nageur de l’hôtel qui les lança. Quand Liszt fut en tournée avec le ténor Rubini – les deux artistes partageaient les bénéfices ET les frais –, Rubini s’offusqua des sommes astronomiques que Liszt avait engagé en fleurs, odes à leur gloire, bravos sur commande et autres procédés de relations publiques.

Les trois bousquetaires
Les « Trois B », ce sont les trois plus grands compositeurs dont le nom commence par B. Les deux premiers B furent Bach et Beethoven. Dès 1854, un chroniqueur ajouta Berlioz pour créer les « Trois B » mais, peu après, le chef d’orchestre Hans von Bülow, ardent anti-berliozien, préféra déBoulonner Berlioz et B-tiser Brahms. Wagner, jaloux de Brahms qu’il détestait, tenta d’imposer Bruckner (un féroce wagnérien) comme troisième B, à défaut de s’appeler Bagner… en vain. La sainte trinité est donc éternellement Bach, Beethoven, Brahms, à moins qu’un autre larron vienne un jour changer la donne. On attend encore. Boulez ? Hummm…

Le tragique accident de Maurice Ravel
Mise en garde : Attachez vos ceintures, même à l’arrière. En octobre 1932, Ravel fut victime d’un traumatisme crânien au cours d’un accident de taxi ; peu après, il se plaignit de troubles de la motricité en général, de l’écriture et de la parole en particulier. Au cours des cinq années suivantes, son état ne fit qu’empirer et quand bien même le malheureux compositeur avait gardé intacts tout son esprit et sa créativité intérieure, il ne fut plus en mesure de rien composer. On tenta une opération du cerveau, mais Ravel tomba dans un coma profond à la suite de l’intervention et succomba quelques jours plus tard. Peut-être une ceinture de sécurité aurait-elle permis que l’un des plus phénoménaux compositeurs du XXe siècle ne soit pas réduit au silence en plein génie créateur : de quels chefs-d’œuvre la postérité a-t-elle ainsi été privée…

Chimie amusante
Borodine a découvert l’aldolisation – l’addition nucléophile d’un énolate sur un aldéhyde pour former une β-hydroxycétone, comme vous le savez sans aucun doute.

A propos de la première parution de cette édition :
« Dynamiques herculéennes, phrasés implacables, ce chef inspiré est irremplaçable dans le grand répertoire. » Télérama
« Il y a des émotions qui ne vous lâchent plus… le souffle même de la musique qui vous étreint à la gorge… Imaginez que vous percevez le battement de cœur de la terre… une cathédrale de vertige. » Classica
« L’honneur du disque. Un testament vivant. » Le Point
« Une suffocante ampleur… un événement culturel de premier ordre. » Le Monde de la Musique
« Il est rare qu’un interprète vienne bouleverser une discographie pourtant considérable. C’est cependant le cas de cet ensemble à tous égards historique. » Diapason
« Cette rareté musicale : incarner la spiritualité de la musique. » Le Figaro
« On est sans doute au-delà de toute notion d’interprétation au sens commun du terme, mais l’on assiste, bel et bien, à la fusion d’un texte et de sa réalisation. » Le Monde

La chanson française de la Renaissance, de Josquin des Prés à Roland de Lassus en passant par Clément Janequin témoignent d’un Art de la miniature toujours raffiné, parfois licencieux. « Baisez-moi»  est un florilège de 23 de ces joyaux interprétés avec esprit par des King’s Singers au-dessus de tous éloges.

Les Concertos de Ravel par François-René Duchâble et l’Orchestre du Capitole de Toulouse sous la direction de Michel Plasson ont été salués à leur parution en 1995 comme un grand disque de musique française. La Fantaisie de Debussy pour piano et orchestre, plus rare au disque, a trouvé ici une version de référence qui trône depuis 15 ans au sommet de la discographie.

Les Carmina Burana de Carl Off figurent parmi les œuvres les plus populaires de tout le répertoire classique. La version de Michel Plasson, spectaculaire à souhait, bénéficie d’une distribution vocale d’un luxe sans équivalent : Natalie Dessay, Thomas Hampson et Gérard Lesne y partagent l’affiche avec le somptueux chœur basque Orfeón Donostiarra.

Samson François 1924-1970

Le 22 octobre 1970, la disparition soudaine à l’âge de 46 ans de Samson François laissait dans la stupeur et la tristesse Eric Macleod, le directeur artistique de Pathé-Marconi et son équipe qui l’attendaient Salle Wagram pour une séance d’enregistrement consacrée à son intégrale Debussy. Avec eux, des milliers de mélomanes se retrouvaient orphelins de l’un des artistes les plus singuliers que le monde musical ait jamais compté.

Cette singularité, très tôt repérée par Alfred Cortot tient en premier lieu à l’extraordinaire liberté de ton du pianiste. Le terme de recréation vient spontanément à l’écoute d’une interprétation de Samson François, son sens de la respiration et du chant (Wilhelm Kempff, cet autre chanteur au clavier, lui vouera toujours admiration et affection) rendant son style immédiatement reconnaissable. Samson François livrera toujours des interprétations personnelles, marquées par un exceptionnel sens de la narration, mais jamais outrancières ou farfelues : contrairement à certains de ses confrères, Samson ne malmena jamais gratuitement une partition.

Sa carrière connut en France un éclat dont on peine aujourd’hui à imaginer l’ampleur. Quoiqu’il fût adulé au Japon, admiré en Russie, recherché aux Etats-Unis (c’est à la demande expresse de Leonard Bernstein qu’il donna en 1947 la première New Yorkaise du Cinquième concerto de Prokofiev), Samson François ne laissa jamais tomber les Jeunesses musicales de France et les concerts en province : il y gagnera une popularité que l’on n’a jamais revue depuis pour un pianiste. Sa mort prématurée le fit définitivement basculer dans la légende. L’image du fumeur invétéré, amateur de jazz s’épuisant en nuits blanches, rumeurs – fausses – sur sa consommation excessive d’alcool transformèrent le pianiste en icône.

Les disques qu’il a gravés, auxquels Samson François a toujours apporté un soin particulier – par bonheur, il ne fut jamais inhibé par la présence du micro – ont gardé intact son souvenir : aujourd’hui Samson François demeure un artiste à part dans l’imaginaire des mélomanes.

Samson avec le son

Le succès et la réputation de ses disques conduisirent naturellement EMI dès le début des années 1980 à numériser les principaux enregistrements de Samson François et à les rendre disponibles en CD. Des nouvelles générations de mélomanes ont ainsi pu connaître et aimer la prodigieuse liberté, l’élan recréateur et l’art du chant de Samson François. Reste que la technologie de l’époque a souvent échoué à rendre pleinement justice aux qualités de la sonorité du pianiste, et l’habitude fut souvent prise parmi la critique de le reprocher à la prise de son de l’époque.

La restauration sonore soignée à partir de toutes les bandes originales entreprise pour cette édition par les ingénieurs-musiciens du Studio Art et Son, répare en grande partie cette injustice. Bien des enregistrements que l’on pensait connaître par cœur en particulier parmi les trois piliers de sa discographie, Chopin, Ravel et Debussy, en sortent transfigurés.

Samson inédit

En 1995, EMI France a publié une première rétrospective générale des enregistrements de Samson François. Cette édition limitée ne fut distribuée à l’époque qu’à 1500 exemplaires. Que les chanceux de l’époque ne se désespèrent pas : la présente édition a été considérablement enrichie par rapport à la précédente.

En studio, sa toute première lecture de la Sonate funèbre (1955), sa première version des Valses (1958) de Chopin, la première version du 1er Concerto de Liszt avec Tzipine (1954) documentent un Samson François à la technique impeccable et à l’imagination narrative toujours en mouvement. Au reste, les différentes lectures d’une même œuvre par Samson François ne constituent pas des doublons : le mystère de l’instant que toute sa vie il chercha à percer et à rendre fit qu’au piano, Samson ne se répéta jamais.

Les nombreux témoignages de concerts et 78 tours inédits ne constituent pas moins de 6CD. On trouvera notamment le 3ème Concerto de Bartók avec David Zinman, qui fait à cette occasion une entrée fracassante dans la discographie de Samson François, tout comme les Variations symphoniques de Franck avec André Cluytens qui répare heureusement son absence dans sa discographie officielle. Le Cinquième de Prokofiev avec Lorin Maazel ou le Concerto de Schumann avec Munch viennent finir de contredire l’image d’un Samson François entouré de chefs de deuxième ordre. Deux récitals à Pleyel (1964) où à vrai dire le pianiste se montre inégal mais d’une richesse expressive époustouflante viennent clore ce coffret. Quelle que puisse être leur imperfection, nous avons décidé de les publier : l’électricité particulière qui affleure tout au long de ces enregistrements de concerts est tout simplement sans équivalent.

Extrait du portrait réalisé par Jacques Doucelin dans le livret du coffret